AURAL_ARCOMadrid 2022

Aural Galería | Alicante · Labradores 17, +34 617050603 | Madrid · Pelayo 68, +34 912595508 | info.auralgaleria.com | www.auralgaleria.com - - - URS LÜTHI (Lucerna,Suiza, 1947) Vive y trabaja en Munich. Esencialmente identificable como un artista de Body Art, sin embargo, comienza por perseguir una forma muy personal de hacer arte, a través de una pintura expresionista-abstracta. Urs Lüthi siempre ha centrado su investigación en el tema de la identidad, investigando su propia imagen con ironía e inteligencia. A partir de la experiencia autobiográfica, subjetiva, llega a una crítica social y existencial que abraza a toda la comunidad. Inspirado por Rrose Sèlavy de Duchamp, desarrolla el tema de la ambigüedad sexual y el mito del andrógino, el ser perfecto que engloba lo masculino y lo femenino. Para Lüthi, el disfraz significa romper el tabú de la sexualidad, cruzar barreras de identidad y jugar con la relación entre realidad y ficción, asociadas en una referencia continua de significado. La subjetividad y la objetividad son conceptos relativos, lo que importa es poder visibilizar los innumerables aspectos bajo los cuales se manifiesta la realidad. La investigación artística de Urs Lüthi se distingue por la notable agilidad con la que el artista se mueve en diferentes campos de expresión. Su obra se presenta como un conjunto sumamente polifacético, tanto porque utiliza las formas mediáticas más variadas, como porque se mueve en los niveles expresivos más diversos. Ha protagonizado numerosas exposiciones en importantes instituciones de todo el mundo, como pueden ser: Stedelijk Museum de Amsterdam, Kunsthaus de Zürich, Kunstmuseum de Winterthur, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París, Nationalgalerie y Neue Berliner Kunstverein de Berlín, Musée d'Art Contemporain de Lyon, Hara Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Kunsthalle de Viena, Museo Ludwig de Budapest, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, Tate Modern de Londres, Palais de Tokio y Musée d'Orsay de París, Kunstmuseum de Lucerna, MARTa de Herford, Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, MAMC de Saint-Étienne, MAMCO de Ginebra, Parkview Museum de Singapur, Palazzo Grassi - Punta della Dogana en Venecia y MOCA de Toronto. Por otro lado, ha participado en eventos artísticos internacionales como: Trigon '73, Graz (Austria, 1973); 13. Bienal de São Paulo (Brasil, 1975); Documenta 6, Kassel (Alemania, 1977); Sidney Biennale (Australia, 1978); II Internazionale Foto Triennale, Esslingen (Alemania, 1992); Bienal de Seúl (Corea, 1995); 49a Bienal de Venecia (Italia, 2001). ANNA BELLA GEIGER Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, Brasil, 1933) vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil. Es una de las artistas brasileñas más valiosas en la escena internacional, considerada una de las pioneras en el uso de medios no convencionales para experimentar otras formas de plantear y cuestionar lo que sucedió en Brasil. Aunque sus inicios en los años 50 fueron abstractos, en sus primeras estancias en Nueva York se vio estimulada por las cuestiones planteadas por el arte conceptual, es en los años 70 cuando el principio cartográfico se sitúa como instrumento privilegiado de una visión crítica y comienza una etapa de profundo debate sobre la relación entre la cultura brasileña (periférica) y las culturas europeas (y centralizadas) de América del Norte. Con sus mapas híbridos, visionarios y críticos, llenos de un clamor anticolonialista, Anna Bella trabaja la idea de la descolonización. Cuestiona los mapas dados, los reescribe mostrando el proceso, las etapas, los cartografía, los documenta, los altera y los visibiliza mediante recursos, procedimientos y lenguajes que le permiten dar un giro al relato hegemónico en tanto concepto espacial y revisar el concepto político de dicho espacio. Geiger desarrolla una poética contemporánea del espacio que evidencia el planteamiento de la liberación de la autonomía del arte y de la especificidad de los medios como géneros cerrados manteniendo el pulso con cada uno de ellos en la tentativa de establecer interdependencias. Anna Bella, atraída por el carácter intimista y subjetivo del vídeo y el juego metalingüístico, polemiza acerca de las narrativas de las producciones televisivas de entonces donde el consumismo y la pasividad propagada por la cultura de masas reproducía una visión contraria a la realidad cotidiana. FERNANDO SINAGA (Zaragoza, 1951) vive y trabaja en Salamanca. Su formación artística transcurre en la ciudad de Zaragoza hasta el comienzo de sus estudios de Bellas Artes en Barcelona, donde obtiene la Beca Amigó Cuyás en 1972 y la Beca Castellblanch en 1973. En 1976 finaliza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid y recibe el Premio de la Dirección General de Bellas Artes. En 1983, y debido a su interés por los estudios goetheanos, obtiene una beca de la Fonds für freie Erziehung, de Zürich, para proseguir sus estudios sobre la teoría del color. En 1984 recibe una nueva beca de Investigación para estudiar la Escultura Pública en EE.UU y a su vuelta de Estados Unidos obtiene una plaza de profesor en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, fijando su residencia en esta ciudad hasta el momento presente. La exposición de Sinaga El Desayuno Alemán (1986), celebrada en la Galería Villalar de Madrid reveló la obra de este artista dentro de la escena española de los 80 y desde entonces su trabajo se ha expuesto en diferentes galerías y museos de España, Francia, Bélgica, Alemania y EE.UU. Su trayectoria artística ha recibido el reconocimiento público de la Fundación Valparaíso de Almería, del Premio Villa de Madrid a la mejor exposición de escultura celebrada en esta ciudad en el año 2001 y del Premio Aragón Goya 2010, otorgado por el Gobierno de Aragón a su trayectoria artística destacada. Así pues, su obra está representada en colecciones tanto privadas como públicas. Junto con su carrera docente en la Universidad de Salamanca, Fernando Sinaga es, a la vez, uno de los mejores escultores con una sólida experiencia en el campo de la creación europea en las últimas décadas. Si bien ha estado presente en la escena artística desde finales de la década de 1970, su trabajo se hizo más importante a partir de la segunda mitad de la década de 1980. La década de los noventa representa otro giro, ordenando sus creaciones en un arte que puede considerarse heredero de las heterodoxias post-minimalistas europeas. Sinaga, a través de su trabajo, muestra una fuerte voluntad experimental unida a una transversal y diversificada tratando de organizar conexiones y enlaces de diferentes orígenes. CONCHA JEREZ (Las Palmas de Gran Canarias, 1941) vive y trabaja en Madrid. Artista InterMedia. Diploma de High School en la Washington Lee High School (Estados Unidos). Concha Jerez se licenció en Ciencias Políticas y cursó la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. A partir de 1970 se dedica profesionalmente al arte. Ha compaginado su producción con la docencia, siendo profesora asociada de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca entre 1991 y 2011. Desde 1989 ha desarrollado importantes proyectos internacionales en colaboración con el artista y compositor José Iges. Realiza obras individuales diversas de forma continuada desde 1973 hasta el momento actual en España, Portugal, Francia, Bélgica, Holanda, Dinamarca, Suecia, Finlandia, Italia, Alemania, Austria, Polonia, República Checa, Estados Unidos, México y Argentina. Desde 1976 centra su trabajo en el desarrollo del concepto de Instalación, como obra In Situ, en espacios concretos de gran envergadura -muchas obras con carácter InterMedia-, ampliando desde comienzos de los 80 su actividad a la Performance y desde principios de los90 a Conciertos InterMedia y a la creación de obras de Arte Radiofónico. En esta línea ha realizado obras de Arte Radiofónico para emisoras como la ORF, Radio France, RAI, BBC, YLE, la ABC de Australia, la WDR de Colonia y RNE. Entre sus actividades individuales, cabe destacar un gran número de instalaciones de gran formato (muchas de ellas Instalaciones InterMedia en las que se incluyen el vídeo y el sonido entre otros medios), Exposiciones, Acciones, Performances, muchas de las cuales con el compositor y artista InterMedia José Iges. También con este artista ha realizado obras de Arte para internet, Conciertos InterMedia, e Instalaciones InterMedia sonoras y visuales. A partir de 1998 la interactividad desarrollada a través de sensores ocupa un lugar esencial en las obras con Iges. Tiene obra permanente en museos como el Moderner Kunst Museum de Nörkoping (Suecia), Museo Vostell de Malpartida, Staatsgalerie de Stuttgart, Museum Wiesbaden, ARTIUM, Museo Centro de Arte Reina Sofía (MCARS), Museo de Bellas Artes de Santander, Museo Jovellanos, MUSAC de León, Museo de Villafamés y en colecciones como la de la Fundación Caixa de Pensions de Barcelona, la de la Comunidad de Madrid, Brigitte March de Stuttgart,Schüppenhauer de Köln, Colección Pilar Citoler, Colección Lafuente, Caja Burgos, BibliotecaNacional, CAAM (las Palmas de Gran Canaria), Banco Sabadell, entre otras. entre otras. En2011 fue galardonada con la medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2015 con el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 2017 obtuvo el Premio Velázquez de Artes Plásticas. JUDITH EGGER (Bavaria, Alemania, 1973) vive y trabaja en Munich. Comienza su relación con el arte trabajando como aprendiz de escultura en talla de madera en Oberammergau, Alemania (1992-93). Obtiene el diploma diseño en Comunicación FH Augsburg, Lancashire University, Preston, Reino Unido (1993-1997) y en 2001 se gradúa en el Royal College of Arts de Londres. Directora artística del proyecto internacional de arte “open-here” financiado por la Unión Europea (2006-07). Actualmente es directora del ‘Institute of Hybristics and the Empirix Sciences of Swelling Bodies’ que investiga la fuerza y el poder transformador de la energía orgánica, y, además, dirige la marca de música experimental Edition Graphon. Entre sus exposiciones individuales destacan tanto en instituciones públicas y privadas The bone chandelier, Stockwell Studios, Londres (2003); Accumulation, installation, Kentler International Drawing Space, NY, EEUU (2004); Biotopie, Lothringer13/Laden, Múnich, Alemania (2005); Chamber of resonance con Manuel Eitner, OPERATION TABLE/QMAC, Kitakyushu City, Japón (2012); Fit durch den Advent, KloHäuschen, Múnich; KRAFTRAUM FÜR FEINSTOFFLICHE WESEN, Kunstraum Bogenhausen, Munich (2015); Biotopias Parasitas, Root, Gm3 Landscape Studio, Madrid (2016);nHUNDUN, Installation, Institut für moderne Kunst Nürnberg, Defethaus, Núremberg; URSPRUNG/ORIGINS –eine Versuchsannäherung, WhiteBOX, Munich (2017); Transmission wood, Installation & video,sometimeStudio, Paris (2018). Y en galerías como Galerie Behringer en Munich, Galerie K25 en Ulm, Neue Galerie Landshut e.V., Galerie Esther Donatz y Galerie Max WeberSixFriedrich en Munich o Lost in shrubland con Aural galería, Alicante (2019). Acerca de su participación en exposiciones colectivas destacamos la exposición inaugural del Hybristics and the Empiric Sciences of Swelling Bodies, Jahnstraße, Munich (2004); y las realizadas en Museum of Contemporary Art, Debrecen, Hungría (2007), Milán, Mérida (México), Cali (Colombia), Viena, Oradea (Rumania), Kunsthalle München, Munich; Kunstverein Munich, National Art Gallery of Namibia, Galérie du Lycée Jean de la Fontaine, Chateau Thierry, (Francia), 4a KloHäuschen Biennale en Ottobrunn y Múnich, Stadt- und Spielzeugmuseum en Traunstein, Alemania (2018). JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962) Vive y trabaja en Valencia Artista Plástico / Audiovisual y TRANSMEDIA/ Profesor Nuevos Medios Facultad de BBAA, Altea de la UMH, Elche, Alicante. Su actividad se inició en los primeros años de la década de los ochenta, en la que desarrolla una pintura que se basa en la estética del graffiti urbano cerca de la obra de Keith Haring, A. R. Penck o Anselm Kiefer. Pertenece a esa generación de artistas hechos así mismos cuyo trabajo arranca en el 82 y sigue su trayectoria cada vez más multidisciplinar e iconoclasta: música, sonido, vídeo, fotografía, imagen digital, instalaciones. La exposición Imágenes tradicionales y Nuevas imágenes tradicionales (Juana Mordó, 1989) deja claro el cambio intelectual en su trabajo. Abandona sus propuestas iniciales para adoptar una pintura de tesis, a partir de una lectura de disciplinas lingüísticas y referencias no figurativas, entrando en un análisis de los mecanismos de percepción y representación pictórica. OK 20/20 (Capilla Oidor de Alcalá de Henares, 1990), 2 Cegazones (1991) y Cámaras Hidráulicas (1992) ejemplifican el grado de complejidad formal y significación que alcanzan sus instalaciones, soluciones tridimensionales en las que eleva y hace transitable los juegos perceptuales y conceptuales que daban a entender en sus pinturas; Desafíos intelectuales en los que utiliza las grietas del lenguaje y la mirada como sistemas de intrepresentación y formas de conocer. Desarrolla su actividad creativa en galerías como Galería Villalar, Juana Mordo, Siboney, Denise Van de Velde en Aalst (Bélgica), Miguel Marcos, Antoni Estrany, Froment et Putman La Mota, Dotze Palma, Helga de Alvear, Trayecto y Aural. Individualmente ha presentado su trabajo en el Museo Municipal de Bellas Artes de Santander (1985); Fundación Espacial Caja Burgos y Espai Poble Nou en Barcelona (1993); La Gallera, Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana en Valencia (1999); Espai Cuatre / Casal Solleric. Palma de Mallorca (2009). Ha mostrado su trabajo en instituciones públicas en exposiciones colectivas como Carnet de Voyages, Cartier Fondation, Jouy-en-Josas (1990); Última Visión, España, cuatro jóvenes artistas, exposición itinerante, Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires, Caracas, Santiago de Chile y Sao Paulo (1991); Pabellón de España, Expo 92, Sevilla, Historia Natural (El doble hermético), Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas (1992); Prospect 93, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (1993); Arquitectura (s), CapcMuseo d'art contemporain, Burdeos, Francia (1995); Introversiones, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), Barcelona (1997); Ensayos y Embriones 13 Artistas contemporáneos españoles, Enzo Gallo Fine Art, Inc. Florida (1997); El Punto Ciego Spanische Kunst der 90er, Kunstraum Innsbruck (1998); Mínima Resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90, Centro de Arte Reina Sofía Museo Nacional (MNCARS) Madrid (2013); Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España (1961-2016), Fundación Juan March Palma de Mallorca, Cuenca y Madrid (2016). Ha participado en ferias internacionales como Art Cologne, Köln (Alemania), Kunst Rai 89 en Amsterdam, FIAC en París, Art Athina 3'95 en Atenas, Art Basel, Art Chicago, Art Forum Berlín, ARCO desde 1985 hasta hoy . Su trabajo está representado en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid (España), Colección de la "Caixa" en Barcelona (España), Banco de España de Madrid (España), BMG Ariola de Madrid, Caja de Ahorros Municipal de Burgos (España), Ciudad de Pollensa en Mallorca (España), Fundación Alemana para el Desarrollo Científico de Colonia. Fundación Colegio del Rey de Alcala de Henares (España), General Mills, Inc. de Minneapolis, Minnesota (EE.UU.), Museo Marugame Hirai de Manugame (Japón), Milestone Inc. (EE.UU.), Museo de Bellas Artes de Santander, Alava en Vitoria, Museo de Arte Contemporáneo de Lleida (España), Museo del Ulster en Belfast, Irlanda del Norte. JAVIER VALLHONRAT La sombra incisa. (Sondeo interrumpido de una divisoria móvil) 2016-2018. Madrid 10.09>05.01.2021 Alicante 03.10>1601.2021. Aural | info@auralgaleria.com | www.auralgaleria.com Desde el año 2010 Javier Vallhonrat ha desarrollado diferentes proyectos en entornos de alta montaña. A través de “La sombra incisa”, el artista establece un diálogo prolongado, íntimo y silencioso con el glaciar de la Maladeta, (Pirineo de Huesca), reducto histórico único en la Europa meridional que sobrevive en condiciones de extrema vulnerabilidad los efectos del cambio climático. Durante parte del mes de agosto, el glaciar pierde la cubierta de nieve que lo protege, revelándose la compleja silueta de esta entidad de hielo que el artista intenta registrar fundiendo en una tienda de alta montaña dispositivo de registro y hábitat provisional. La acción prolongada de permanecer en el borde del glaciar -un gesto infantil, poético y absurdo- le permite llevar a cabo simultáneamente registro, itinerario, permanencia y acompañamiento de esta entidad única que desaparece inevitablemente. Desde una conciencia de alteridad, la percepción de este nicho ajeno y amenazante se transforma paulatina­mente en conciencia de un lugar altamente vulnerable, en el que conocimiento, afecto y experiencia inmediata le permiten dialogar con el glaciar en condiciones de incertidumbre. “La sombra incisa” busca dar visualidad a este proceso de acompañamiento y conocimiento en torno a esa entidad. Trabajar a lo largo del borde del glaciar, una línea en sombra, es una metáfora de la riqueza de los espacios de silencio, sombra y vacío que le interesan. El trabajo de Javier Vallhonrat contiene un fuerte componente metalingüístico, cuestionando siempre el propio lenguaje fotográfico. El autor coloca al espectador ante la perplejidad y el asombro de lo que está observando, llevando la mirada hacia la incertidumbre entre lo real e imaginario. Con este proyecto obtuvo el Premio a la Trayectoria de la Fundación Enaire 2019. MIRJAM KROKER (1982) De base seminómada, con formación académica en Antropología Social y Cultural y Bellas Artes. Interesada en el proceso de adquirir, producir, coproducir, adaptar, habitar, transferir, integrar, reflexionar y difundir diferentes formas de saber. Se acerca a la creación artística como una práctica situada y, por lo tanto, viaja y trabaja en varios lugares y, a veces, se acerco a la investigación en colaboración y busca trabajar más allá de las disciplinas. Su trabajo ha sido reconocido a través de varias subvenciones y becas, como la subvención de investigación IFA, la Sociedad de Investigación Austriaca ÖFG, el Programa de Becas Sajón, la subvención de viaje STEP BEYOND, entre otros, y apoyado a través de programas internacionales de artistas en residencia como cultureland nl, Amsterdam y Residencia en la isla de Örö, Finlandia. La forma de trabajar de Mirjam es multimodal, basada en la investigación y se extiende desde grabaciones sónicas, dibujos de documentos, secuencias de video y objetos, hasta entornos de trabajo y narrativas espaciales. Con tendencia a las ideas conceptuales y al pensamiento imaginativo, aborda las obras de arte como dispositivos para pensar con todo el ser y potencial para reconfigurar pequeños detalles de la realidad. Los esfuerzos colaborativos de colaboración on/off que ella cofundó como miembro, para buscar trabajar juntos más allá de las limitaciones geográficas mientras se encuentran en ubicaciones geográficas dispares, se hicieron accesibles para un público más amplio por invitación del Museo Casa del LAGO en México. Ciudad en 2016. ​ Su trabajo fue reconocido a través del Premio Caspar David Friedrich 2019 y el Premio Federal de Arte “Bunderspreis für Kunststudierende”. Así como el apoyo actual a través de recibir una beca del estado sajón por un período de 2 años. IGNACIO GÓMEZ DE LIAÑO ALAMILLO (Madrid, 1946) es un escritor, filósofo, traductor y profesor universitario. Algunos han considerado su producción como una referencia cultural dentro del panorama hispano actual. Poeta experimental, miembro fundador de la Cooperativa de Producción Artística y Artesana. Participó como coordinador del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo. Gómez de Liaño es una de las figuras clave para comprender la escena de la poesía experimental en España. Su labor se centró en la elaboración teórica, a través de manifiestos, y en la organización de eventos y exposiciones colectivas en torno a la poesía experimental, que dieron a conocer a numerosos artistas extranjeros en España. A Ignacio Gómez de Liaño se unió en 1964 al movimiento Problemática 63, liderado por el uruguayo Julio Campal. Eso le acercó a la “Poesía Concreta” brasileña del grupo Noigandres o del “Espacialismo” francés teorizado por los poetas Ilse y Pierre Garnier, a quienes estudió en profundidad. Sus primeros poemas estuvieron en la órbita de la abstracción geométrica del lenguaje tipográfico, caracterizados por la objetividad y la reflexión. Esos contactos y numerosos viajes por Europa le permitieron conocer a Françoise Bory, Julian Blaine, Arrigo Lora-Totino, Adriano Spatola o Max Bense, pero sobre todo publicar cinco años más tarde su primer manifiesto, Abandonner l’ecriture (1969). Esta inspiración le hizo transitar por un territorio estético en el que convergían los puntos de vista de poetas, músicos y artistas plásticos, porque estos últimos con Herminio Molero y Manolo Quejido, ente otros, le llevaron a fundar la Cooperativa de Producción Artística y Artesana (1966-69), por la que pasaron algunos miembros del grupo Castilla 63 (Elena Asins, LUGAN y Julio Plaza) o artistas extranjeros como Lily Greenham y Alain Arias-Misson, con la aspiración de la función social del arte, rechazando la mercantilización y el fetichismo del objeto artístico. No conviene olvidar que Gómez de Liaño estuvo marcado por el mayo francés de 1968 y pensaba que la calle era un lugar de encuentro y de teatro espontáneo en ese anhelo de “llevar la poesía a la vida”, trasladando la poesía a la calle, que en el caso español tenía por razones de contexto histórico una gran trascendencia crítica. JUAN CARLOS NADAL (Alicante, 1966) Vive y trabaja en Valencia desde que comenzó sus estudios hasta hoy. Licenciado por la facultad de Bellas Artes de San Carlos UPV y recibe la Beca Circuit d’Art Contemporani. Becats Art Visual y la Beca Fundación ARTE Y DERECHO. VEGAP de Madrid en 2011. Ha expuesto en instituciones públicas y galerías de arte entre las que destacamos Galería Canem, Castellón en 1993; Edgar Neville (1994); Valle Ortí, Valencia (2003 y 2004; Maliarka, Alicante (2005); PazYcomedias, Valencia (2009); 3PUNTS, Barcelona (2014); Espai Salmaia, Altea (2016; Galería Karin Wimmer, Múnich (2017); Galería Aural, Alicante (2013 y 2018). Es uno de los artistas más interesantes y coherentes en el contexto de la investigación y experimentación sobre conceptos como el tiempo, el movimiento o la pintura como acción y proceso. Conceptos que se proyectan tanto en sus procesos pictóricos como espaciales a través de la escultura. Para Nadal el arte provoca sensaciones y estas a su vez pensamientos. Como Deleuze en alianza con Proust, decía que “el pensamiento no es nada sin algo que le fuerce a pensar, que haga violencia al pensamiento”. Deleuze considera fundamentales encuentros que ponen en juego otra experiencia de ejercicio de las facultades del sentir, del memorar, del imaginar, del pensar. En este sentido se dirige el trabajo de Juan Carlos Nadal, en provocar ese tipo de encuentros con las obras. En relación a la filosofía deleuzeana en resonancia con la obra de arte en confluencia con Nadal, ésta es entendida como un principio de proliferación intensiva de lecturas que termina diluyendo centros y convergencias en pro de una coexistencia intensiva zigzagueante. Allí donde objeto y pintura pueden fusionarse como restos de un conflicto, en ese espacio que es puro desamparo ha creado Nadal una obra que es sencillamente ejemplar: un testimonio pictórico que se adentra en el abismo tremendo de nuestra época, refiere Fernando Castro Flórez en ”Homeless Dépeindre” 2002, sobre la obra del artista. Ha realizado varias obras públicas como “Ona” en el Túnel de las escaleras del IES Jorge Juan de Alicante en 2015. Su obra está representada en museos e instituciones públicas y privadas como el IVAM, Valencia; MUA, Alicante; Diputación de Alicante; Ayuntamiento de Alicante; Ayuntamiento de Valencia; Colección CAM, Alicante, Instituto Cervantes de Múnich, así como en colecciones particulares. BRUNO MUNARI Bruno Munari nació en Milán en 1907. Durante su juventud, Munari se sintió atraído por las teorías del futurismo y expuso sus obras en algunas muestras futuristas. En 1923, escribió con el artista Aligi Sassu un manifiesto, Dinamismo e pittura muscolare (Dinamismo y pintura muscular), que se basaba en los principios futuristas del arte como movimiento, celebración de las máquinas y progreso tecnológico. Pocos años después, Munari comenzó a trabajar en las Macchine inutili (máquinas inútiles), exhibidas por primera vez en 1933: mecanismos presentados como modelos experimentales que investigaban las posibilidades de la percepción, convirtiéndolo en un precursor del arte óptico. Considerado uno de los máximos protagonistas del arte, el diseño y la gráfica del siglo XX, mantuvo su caprichosa creatividad apoyando la investigación de la construcción de la forma a través de experimentos táctiles y visuales y su gran capacidad de comunicación con palabras, objetos y juguetes. Después de la guerra, Munari abandonó lentamente el futurismo y comenzó a gravitar hacia el Movimento Arte Concreta, un movimiento que estaba repensando por completo el arte no figurativo, destacando la diferencia entre el arte abstracto y el concreto. Ha participado en diversas exposiciones en: Museum of Modern art of Hayama (Japón), Andrew Kreps Gallery (Nueva York), Kaufmann Repetto (Milán), Estorick collection of Modern Italian art (Londres), Museum für Gestaltung (Zurich), Museum de Arte Moderno Fundación Soto (Bolivia), Kunstgewerbeschule (Basilea), Howard Wise Gallery (nueva York), Museo de Arte Moderno de Tokio y MoMa (nueva York). Entre sus obras más importantes de este período se encuentran Proiezioni di Luce (Proyecciones de luz); Libri Illeggibili (Libros ilegibles); Macchine Aritmiche (Máquinas Arrítmicas); Oggetti trovati (Objetos encontrados), mientras aún trabajaba en Macchine inutili. En 1951, Negativo-positivo es portada de la revista francesa Art d’Aujourd’Hui, que dedica un número monográfico al arte abstracto italiano. En 1954 ganó Compasso d’oro, el premio italiano más prestigioso dedicado al diseño y las artes figurativas, por los modelos de animales de goma diseñados para Pirelli. Su fama aumentó aún más y comenzó a realizar muestras individuales y colectivas en algunas de las instituciones museísticas más importantes. En su vida posterior, Munari estaba preocupado por la mala percepción de su trabajo artístico, que todavía se confunde con el otro tipo de su actividad (didáctica, diseño, gráficos), y decidió seleccionar a la historiadora del arte Miroslava Hajek como curadora de una selección de sus obras. obras más importantes en 1969. Esta colección, estructurada cronológicamente, muestra su continua creatividad, coherencia temática y la evolución de su pensamiento y filosofía artística a lo largo de toda su vida. Munari murió en Milán en 1998. PEP AGUT (Terrassa, Barcelona, 1961) estudia en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi de la Universidad de Barcelona (1979-84). Participa en los Juegos de la XXIII Olimpiada en Los Ángeles (1984). Entre 1988 y 1991 vive en Colonia (RFA), hasta 1991, cuando es invitado a París por la Fundación Cartier. Regresa a Barcelona en 1992. En la actualidad vive en Terrassa. Pep Agut, enmarcado en ocasiones en el posconceptualismo de la década de 1990 en España, reflexiona en gran medida acerca del rol del artista, el problema de la representación y el lugar del arte dentro de un sistema que considera lastrado por la espectacularización y en el que la obra de arte se ve reducida a mera mercancía, pero al mismo tiempo, y particularmente desde la década de 1980, se muestra como uno de los actores principales en la escenografía fundacional del neoliberalismo. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en importantes eventos como la XLV Bienal de Venecia (1993), Prospekt (1996), la XI Bienal de Sidney (1998), Art Unlimited, Basel (2004) y en Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv (1993) o el MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2000), entre otros. Ha coordinado y participado en debates y conferencias y ha impartido seminarios en la Universidad de Barcelona. SELECCIÓN DE OBRAS EN COLECCIONES ARTIUM Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria. Vitoria; Banco de España, Madrid; Colección Fundación Caja Mediterráneo, Alicante; CAPC Musée d’Art Contemporain, Bordeaux; Colección Caixa Terrassa. Terrassa; Colección Fundación Cajamadrid, Madrid; Colección Fundación Coca-Cola, Madrid; Dhont-Dhaenens Museum, Deurle; ECB European Central Bank, Frankfurt; Fons d’Art de la Generalitat de Catalunya, Barcelona. FRAC Haut Normandie, Rouen; FRAC Languedoc-Roussillon, Montpellier; Fundació La Caixa, Barcelona; MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona; MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Musée Départamental de Rochechouart, Limoges.