"20|20" #1 - Alicante

ESTAMOS PREPARANDO ESTA VIEWING ROOM EN BREVE ESTARÁ DISPONIBLE


Tenemos el placer de invitaros al 20 aniversario de la galería para cuya celebración hemos preparado sendas exposiciones en nuestras sedes de Alicante y Madrid bajo el
mismo título "20|20". 20 años, 20 artistas con una selección de artistas que han configurado y contribuido en gran medida al crecimiento y consolidación de nuestro proyecto.


⇒ "20|20" #1 - Alicante - 18.12.21>29.01.22
Pep Agut | Judith Egger | Anna Bella Geiger | Máximo González | Luis Gordillo | Concha Jerez | José Maldonado | Ángeles Marco | Juan José Martín Andrés | Isaac Montoya | Bruno Munari | Juan Carlos Nadal | Massimo Pisani | Jesús Rivera | Fernando Sinaga | Javier Vallhonrat


⇒ "20|20" #2 - Madrid - PRÓXIMAMENTE 27.1 >12.2.2022
Pep Agut | Anna Bella Geiger | Bruno Munari | Concha Jerez | Fernando Sinaga | Ignacio Gómez de Liaño | Ingrid Wildi Merino | Isaac Montoya | Javier Vallhonrat | Jesús Rivera | José Maldonado | Juan Carlos Nadal | Juan José Martín Andrés | Judith Egger | Luis Gordillo | Massimo Pisani | Máximo González | Mirjam Kroker


→ Para ver más información y fotografías de cada obra, haz click sobre ellas, y en: Más detalles.

↓ Más información sobre los artistas disponible a pie de página.

✉ Aural Galería | Alicante · Labradores 17, +34 617050603 | Madrid · Pelayo 68, +34 912595508 | info.auralgaleria.com | www.auralgaleria.com

Aural

Invitación Aural "20|20" #1 - Alicante y "20|20" #2 - Madrid, 2021-2022

Obra única

 

Juan Carlos Nadal

Gestures (en sala ALC), 2019

Obra única

 

Juan Carlos Nadal

Gesture #1, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #2, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #3, 2019

Obra única

 

Juan Carlos Nadal

Gesture #4, 2019

Obra única

 

Juan Carlos Nadal

Gesture #5, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #6, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #7, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #8, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Juan Carlos Nadal

Gesture #9, 2019

Obra única

 

33 x 21 cm

Máximo González Baeza

Partituras, 2015

Obra única

 

videos en loop.

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PEP AGUT
Pep Agut (Terrassa, Barcelona, 1961) estudia en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi de la Universidad de Barcelona (1979-84). Participa en los Juegos de la XXIII Olimpiada en Los Ángeles (1984). Entre 1988 y 1991 vive en Colonia (RFA), hasta 1991, cuando es invitado a París por la Fundación Cartier. Regresa a Barcelona en 1992. En la actualidad vive en Terrassa.
Pep Agut, enmarcado en ocasiones en el posconceptualismo de la década de 1990 en España, reflexiona en gran medida acerca del rol del artista, el problema de la representación y el lugar del arte dentro de un sistema que considera lastrado por la espectacularización y en el que la obra de arte se ve reducida a mera mercancía, pero al mismo tiempo, y particularmente desde la década de 1980, se muestra como uno de los actores principales en la escenografía fundacional del neoliberalismo.
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en importantes eventos como la XLV Bienal de Venecia (1993), Prospekt (1996), la XI Bienal de Sidney (1998), Art Unlimited, Basel (2004) y en Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv (1993) o el MACBA, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2000), entre otros. Ha coordinado y participado en debates y conferencias y ha impartido seminarios en la Universidad de Barcelona.
SELECCIÓN DE OBRAS EN COLECCIONES
ARTIUM Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria. Vitoria; Banco de España, Madrid; Colección Fundación Caja Mediterráneo, Alicante; CAPC Musée d'Art Contemporain, Bordeaux; Colección Caixa Terrassa. Terrassa; Colección Fundación Cajamadrid, Madrid; Colección Fundación Coca-Cola, Madrid; Dhont-Dhaenens Museum, Deurle; ECB European Central Bank, Frankfurt; Fons d'Art de la Generalitat de Catalunya, Barcelona. FRAC Haut Normandie, Rouen; FRAC Languedoc-Roussillon, Montpellier; Fundació La Caixa, Barcelona; MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona, Barcelona; MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Musée Départamental de Rochechouart, Limoges.
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JUDITH EGGER
Judith Egger (Bavaria, Alemania, 1973) vive y trabaja en Munich.
Comienza su relación con el arte trabajando como aprendiz de escultura en talla de madera en Oberammergau, Alemania (1992-93). Obtiene el diploma diseño en Comunicación FH Augsburg, Lancashire University, Preston, Reino Unido (1993-1997) y en 2001 se gradúa en el Royal College of Arts de Londres.
Directora artística del proyecto internacional de arte “open-here” financiado por la Unión Europea (2006-07). Actualmente es directora del ‘Institute of Hybristics and the Empirix Sciences of Swelling Bodies’ que investiga la fuerza y el poder transformador de la energía orgánica, y, además, dirige la marca de música experimental Edition Graphon.
Entre sus exposiciones individuales destacan tanto en instituciones públicas y privadas The bone chandelier, Stockwell Studios, Londres (2003); Accumulation, installation, Kentler International Drawing Space, NY, EEUU (2004); Biotopie, Lothringer13/Laden, Múnich, Alemania (2005); Chamber of resonance con Manuel Eitner, OPERATION TABLE/QMAC, Kitakyushu City, Japón (2012); Fit durch den Advent, KloHäuschen, Múnich; KRAFTRAUM FÜR FEINSTOFFLICHE WESEN, Kunstraum Bogenhausen, Munich (2015); Biotopias Parasitas, Root, Gm3 Landscape Studio, Madrid (2016);nHUNDUN, Installation, Institut für moderne Kunst Nürnberg, Defethaus, Núremberg; URSPRUNG/ORIGINS –eine Versuchsannäherung, WhiteBOX, Munich (2017); Transmission wood, Installation & video,sometimeStudio, Paris (2018). Y en galerías como Galerie Behringer en Munich, Galerie K25 en Ulm, Neue Galerie Landshut e.V., Galerie Esther Donatz y Galerie Max WeberSixFriedrich en Munich o Lost in shrubland con Aural galería, Alicante (2019).
Acerca de su participación en exposiciones colectivas destacamos la exposición inaugural del Hybristics and the Empiric Sciences of Swelling Bodies, Jahnstraße, Munich (2004); y las realizadas en Museum of Contemporary Art, Debrecen, Hungría (2007), Milán, Mérida (México), Cali (Colombia), Viena, Oradea (Rumania), Kunsthalle München, Munich; Kunstverein Munich, National Art Gallery of Namibia, Galérie du Lycée Jean de la Fontaine, Chateau Thierry, (Francia), 4a KloHäuschen Biennale en Ottobrunn y Múnich, Stadt- und Spielzeugmuseum en Traunstein, Alemania (2018).
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ANNA BELLA GEIGER
Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, Brasil, 1933) vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil.
Es una de las artistas brasileñas más valiosas en la escena internacional, considerada una de
las pioneras en el uso de medios no convencionales para experimentar otras formas de
plantear y cuestionar lo que sucedió en Brasil.
Aunque sus inicios en los años 50 fueron abstractos, en sus primeras estancias en Nueva York
se vio estimulada por las cuestiones planteadas por el arte conceptual, es en los años 70
cuando el principio cartográfico se sitúa como instrumento privilegiado de una visión crítica y
comienza una etapa de profundo debate sobre la relación entre la cultura brasileña
(periférica) y las culturas europeas (y centralizadas) de América del Norte.
Con sus mapas híbridos, visionarios y críticos, llenos de un clamor anticolonialista, Anna Bella
trabaja la idea de la descolonización. Cuestiona los mapas dados, los reescribe mostrando el
proceso, las etapas, los cartografía, los documenta, los altera y los visibiliza mediante
recursos, procedimientos y lenguajes que le permiten dar un giro al relato hegemónico en
tanto concepto espacial y revisar el concepto político de dicho espacio.
Geiger desarrolla una poética contemporánea del espacio que evidencia el planteamiento de
la liberación de la autonomía del arte y de la especificidad de los medios como géneros
cerrados manteniendo el pulso con cada uno de ellos en la tentativa de establecer
interdependencias. Anna Bella, atraída por el carácter intimista y subjetivo del vídeo y el
juego metalingüístico, polemiza acerca de las narrativas de las producciones televisivas de
entonces donde el consumismo y la pasividad propagada por la cultura de masas reproducía
una visión contraria a la realidad cotidiana.
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CONCHA JEREZ
Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canarias, 1941) vive y trabaja en Madrid.
Artista InterMedia. Diploma de High School en la Washington Lee High School (Estados
Unidos). Concha Jerez se licenció en Ciencias Políticas y cursó la carrera de piano en el Real
Conservatorio Superior de Música de Madrid. A partir de 1970 se dedica profesionalmente al
arte. Ha compaginado su producción con la docencia, siendo profesora asociada de la
Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca entre 1991 y 2011.
Desde 1989 ha desarrollado importantes proyectos internacionales en colaboración con el
artista y compositor José Iges. Realiza obras individuales diversas de forma continuada desde
1973 hasta el momento actual en España, Portugal, Francia, Bélgica, Holanda, Dinamarca,
Suecia, Finlandia, Italia, Alemania, Austria, Polonia, República Checa, Estados Unidos, México
y Argentina.
Desde 1976 centra su trabajo en el desarrollo del concepto de Instalación, como obra In Situ,
en espacios concretos de gran envergadura -muchas obras con carácter InterMedia-,
ampliando desde comienzos de los 80 su actividad a la Performance y desde principios de los
90 a Conciertos InterMedia y a la creación de obras de Arte Radiofónico. En esta línea ha
realizado obras de Arte Radiofónico para emisoras como la ORF, Radio France, RAI, BBC, YLE,
la ABC de Australia, la WDR de Colonia y RNE.
Entre sus actividades individuales, cabe destacar un gran número de instalaciones de gran
formato (muchas de ellas Instalaciones InterMedia en las que se incluyen el vídeo y el sonido
entre otros medios), Exposiciones, Acciones, Performances, muchas de las cuales con el
compositor y artista InterMedia José Iges. También con este artista ha realizado obras de
Arte para internet, Conciertos InterMedia, e Instalaciones InterMedia sonoras y visuales. A
partir de 1998 la interactividad desarrollada a través de sensores ocupa un lugar esencial en
las obras con Iges.
Tiene obra permanente en museos como el Moderner Kunst Museum de Nörkoping (Suecia),
Museo Vostell de Malpartida, Staatsgalerie de Stuttgart, Museum Wiesbaden, ARTIUM,
Museo Centro de Arte Reina Sofía (MCARS), Museo de Bellas Artes de Santander, Museo
Jovellanos, MUSAC de León, Museo de Villafamés y en colecciones como la de la Fundació
Caixa de Pensions de Barcelona, la de la Comunidad de Madrid, Brigitte March de Stuttgart,
Schüppenhauer de Köln, Colección Pilar Citoler, Colección Lafuente, Caja Burgos, Biblioteca
Nacional, CAAM (las Palmas de Gran Canaria), Banco Sabadell, entre otras. entre otras. En
2011 fue galardonada con la medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2015 con el
Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 2017 obtuvo el Premio Velázquez de Artes Plásticas.
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ÁNGELES MARCO
Ángeles Marco (Valencia, 1947-Ibídem, 2008) fue una escultora española.
Estudió en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos hasta 1966, y obtuvo el doctorado en 1987 por la Universidad Politécnica de Valencia, en la que era profesora desde 1989. Durante dos décadas compaginó la docencia con la creación escultórica. El hierro se convirtió, a lo largo del tiempo, en su material preferido aunque también trabajó el caucho, el cristal o la cera. Estuvo notablemente influenciada por el minimalismo, el constructivismo y el arte conceptual.
Obtuvo el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia en 1988 y en este mismo año el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) le dedicó una de sus grandes exposiciones "El taller de la memoria" a la que seguiría, en 2001 "Trípodes oblicuos y conos" en la Universidad Politécnica de Valencia (que se encuentra ubicada en el Campus Escultórico de Vera).
Es uno de los grandes referentes de la escultura moderna en el País Valenciano y en España. Personal e innovadora, abrió caminos y nuevos lenguajes tanto en su obra como en su labor pedagógica, generando influencia en toda una generación de jóvenes escultores.

Consiguió dar un gran impulso al arte escultórico, dejando buena muestra de su maestría en la Diputación de Valencia y Alicante, la Caja de Ahorros de Valencia, el Museo de arte contemporáneo de Madrid, el IVAM, el Museo de Bellas Artes de Málaga, la Universidad Literaria y la Universidad Politécnica de Valencia, donde se encuentran colecciones de su obra.
Realizó exposiciones individuales en Arco (Feria Internacional de Arte Contemporáneo), el Centro del Carmen, el museo de Arte Contemporanéo de Madrid y en la galería Leonarte de Valencia.3
Falleció en 2008 a los 61 años, en Valencia.
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JOSÉ MALDONADO
José Maldonado (Madrid, 1962) Vive y trabaja en Valencia
Artista Plástico / Audiovisual y TRANSMEDIA/ Profesor Nuevos Medios Facultad de BBAA, Altea de la UMH, Elche, Alicante.

Su actividad se inició en los primeros años de la década de los ochenta, en la que desarrolla una pintura que se basa en la estética del graffiti urbano cerca de la obra de Keith Haring, A. R. Penck o Anselm Kiefer. Pertenece a esa generación de artistas hechos así mismos cuyo trabajo arranca en el 82 y sigue su trayectoria cada vez más multidisciplinar e iconoclasta: música, sonido, vídeo, fotografía, imagen digital, instalaciones.
La exposición Imágenes tradicionales y Nuevas imágenes tradicionales (Juana Mordó, 1989) deja claro el cambio intelectual en su trabajo. Abandona sus propuestas iniciales para adoptar una pintura de tesis, a partir de una lectura de disciplinas lingüísticas y referencias no figurativas, entrando en un análisis de los mecanismos de percepción y representación pictórica. OK 20/20 (Capilla Oidor de Alcalá de Henares, 1990), 2 Cegazones (1991) y Cámaras Hidráulicas (1992) ejemplifican el grado de complejidad formal y significación que alcanzan sus instalaciones, soluciones tridimensionales en las que eleva y hace transitable los juegos perceptuales y conceptuales que daban a entender en sus pinturas; Desafíos intelectuales en los que utiliza las grietas del lenguaje y la mirada como sistemas de intrepresentación y formas de conocer.
Desarrolla su actividad creativa en galerías como Galería Villalar, Juana Mordo, Siboney, Denise Van de Velde en Aalst (Bélgica), Miguel Marcos, Antoni Estrany, Froment et Putman La Mota, Dotze Palma, Helga de Alvear, Trayecto y Aural.
Individualmente ha presentado su trabajo en el Museo Municipal de Bellas Artes de Santander (1985); Fundación Espacial Caja Burgos y Espai Poble Nou en Barcelona (1993); La Gallera, Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana en Valencia (1999); Espai Cuatre / Casal Solleric. Palma de Mallorca (2009).
Ha mostrado su trabajo en instituciones públicas en exposiciones colectivas como Carnet de Voyages, Cartier Fondation, Jouy-en-Josas (1990); Última Visión, España, cuatro jóvenes artistas, exposición itinerante, Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires, Caracas, Santiago de Chile y Sao Paulo (1991); Pabellón de España, Expo 92, Sevilla, Historia Natural (El doble hermético), Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas (1992); Prospect 93, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (1993); Arquitectura (s), CapcMuseo d'art contemporain, Burdeos, Francia (1995); Introversiones, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), Barcelona (1997); Ensayos y Embriones 13 Artistas contemporáneos españoles, Enzo Gallo Fine Art, Inc. Florida (1997); El Punto Ciego Spanische Kunst der 90er, Kunstraum Innsbruck (1998); Mínima Resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90, Centro de Arte Reina Sofía Museo Nacional (MNCARS) Madrid (2013); Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España (1961-2016), Fundación Juan March Palma de Mallorca, Cuenca y Madrid (2016).

Ha participado en ferias internacionales como Art Cologne, Köln (Alemania), Kunst Rai 89 en Amsterdam, FIAC en París, Art Athina 3'95 en Atenas, Art Basel, Art Chicago, Art Forum Berlín, ARCO desde 1985 hasta hoy .
Su trabajo está representado en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid (España), Colección de la "Caixa" en Barcelona (España), Banco de España de Madrid (España), BMG Ariola de Madrid, Caja de Ahorros Municipal de Burgos (España), Ciudad de Pollensa en Mallorca (España), Fundación Alemana para el Desarrollo Científico de Colonia. Fundación Colegio del Rey de Alcala de Henares (España), General Mills, Inc. de Minneapolis, Minnesota (EE.UU.), Museo Marugame Hirai de Manugame (Japón), Milestone Inc. (EE.UU.), Museo de Bellas Artes de Santander, Alava en Vitoria, Museo de Arte Contemporáneo de Lleida (España), Museo del Ulster en Belfast, Irlanda del Norte.
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JUAN JOSÉ MARTÍN ANDRÉS
Juan José Martín Andrés (Soria, 1978) Su trabajo parte de procesos de documentación y recopilación de elementos gráficos cotidianos como son los periódicos, portadas de libros y revistas, titulares de prensa, cómics, carteles y gráfica publicitaria de la calle. Vuelca en sus obras sus preocupaciones por los temas sociales y políticos en relación con los contextos en los que vive.
Su interés por la gráfica y la cultura visual impresa, se compatibiliza con su trabajo como diseñador gráfico, profesión que desarrolla paralelamente a su obra artística. Suele ir atento con su cámara todo el tiempo, tomando fotografías de las pintadas de los murales electorales que todavía quedan vigentes, bardas con nombres de grupos de música, camiones, rótulos, puestos callejeros, carteles hechos a mano, cosas comunes y cotidianas, gráfica que pasa desapercibida. En los últimos años su trabajo se basa en la documentación de titulares de campañas políticas mexicanas, pintadas, publicidad, páginas pagadas en medios, con el objetivo de trabajar con la idea de nación, Estado y utopía que se han dado en las diferentes campañas electorales de la ciudad de México.
Parte de varios procedimientos que vienen de la gráfica tradicional pero que sus postulados se diluyen en propuestas como la instalación, el performance, la intervención o el video. Sus intereses están volcados en la geografía, lo geopolítico, lo fronterizo, los puntos de tensión o conflicto y cómo todo ello incide en la sociedad. Se interesa por cómo se han construido las naciones, los estados, las fronteras a través de la historia y cómo ésta y los acontecimientos e intereses políticos y económicos van configurando o determinando el presente. Le interesa el análisis para realizar formulaciones y cuestionamientos de lo que acontece a nuestro alrededor, reescribiendo el mapa, descontextualizando los enunciados o bien actualizando conceptos que necesitan rescatarse del pasado, no resueltas, y que permanecen hoy vigentes.

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ISAAC MONTOYA (Sevilla, 1963) Vive y trabaja en Alicante.
En 1982 comenzó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao. En 1985 se trasladó a Madrid, licenciándose en la Universidad Complutense.
Entre sus proyectos individuales hay que destacar: Reconstrucción, en Galería Aural de Alicante, 2012; Fantasmas, instalación en el exterior del edificio del Museo Dojima River Forum, en la Biennale Dojima River Forum de Osaka, 2009; Fantasmas, 2008, Instalación en el exterior del edificio Raffles en la Bienal de Singapur; Sin poder dejar de sentir, en el Instituto Cervantes de Bruselas; Naked I Feel More con Sonia La Mur en The Volta Show, Galería Espacio Mínimo en Basilea, 2007; Palabras sin razones, en Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), 2006; Emisiones Peligrosas, en Espai Quatre, Casal de Solleric de Palma de Mallorca, 2006; Una marca para siempre, en Galería Espacio Mínimo de Madrid, 2005; Liquidación Total en La Casa Encendida de Madrid, 2004; Ya es Primavera en El Mundo al Revés, en la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, 2003; Basado en Hechos Reales en la Galería Lyle O. Reitzel Arte Contemporáneo en Santo Domingo, República Dominicana, 2003; Violencia sin mensaje en ARCO 02, Parque Ferial Juan Carlos I, con la Galería Angel Romero de Madrid; Destinos y Mentiras, en la Galería Angel Romero de Madrid, 2001; Intimo y Subliminal, con Sonia La Mur en la Galería Angel Romero de Madrid, 1999; El Compromiso, con Sonia La Mur en la Galería My Name´s Lolita Art de Valencia, 1997; El disfraz de Cada Instante en Galería Angel Romero de Madrid, 1996; Amor de Fuego con la Galería Angel Romero de Madrid...
Ha participado en numerosos proyectos artísticos colectivos, como la VIII Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí en la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí de Córdoba, 2017; Situaciones Límite en la Galería Aural de Alicante, 2016; Castillo de Santa Bárbara; Visión 14 artistas, presentación del vídeo Tsunami rojo en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, MACA, 2015; La Noche en Blanco en Las Cigarreras de Alicante, 2015; 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia, Avaritia Omnium Malorum Radix en La Nau, Universidad de Valencia, 2014; Now Playing Everywhere en Mesa Contemporary Arts Museum de Mesa, Arizona, 2013; Camuflajes, en La Casa Encendida de Madrid, 2009; Immigració, Emigració, 9ª Bienal Martínez Guerricabeitia en Universidad de Valencia, 2008; Bienal del Fuego en el Museo de Bellas Artes de Caracas, 2006; Posthumous Choreographies, en la White Box de Nueva York, 2006; Catastrofi Minimo en el MAN, Museo de Arte de Nuoro en Cerdeña, Italia, 2003; Media Ambiental, MAD 01, en el Parque Ferial Juan Carlos I de Madrid, 2001; Ninfografías Infomanías en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, 2001; De Imagen y Soportes, en el Palacio Revillagigedo de Gijón, 1998; Spain is Different en Sainsbury Centre for Visual Arts de Norwich, 1998; Patio de Figuras en la Sala de Exposiciones Plaza España de la Comunidad de Madrid, 1998; Los Vicios de la Duquesa con Burgueses, en la Galería Trayecto de Vitoria, 1997; Arte 2000 en la Sala de Exposiciones Plaza España de la Comunidad de Madrid, 1997; El Encanto del Vigilante con Burgueses organizada por la Junta de Castilla y León, Itinerante: Valladolid (Monasterio de Prado), Ávila (Monasterio de Santa Ana), Palencia (Fundación Díaz Caneja), Burgos (Museo de Burgos), Salamanca (La Salina), León (Centro Cultural Santa Nonia), Zamora (Biblioteca Pública), 1996; Confrontaciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, 1994…
Y ha estado presente en Ferias de arte de todo el mundo: ARCO de Madrid, Frieze Art Fair de Londres, Artissima de Turín, The Volta Show de Basilea, CIGE China International Gallerie Exhibition de Pekín, SH Contemporary, de Shanghai…
También ha dirigido el proyecto de exposición Canal de Seducción en la Iglesia del Monasterio de Prado en Valladolid, dirigiendo a su vez el ciclo de conferencias Interpretaciones del arte organizado por La Junta
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BRUNO MUNARI
Bruno Munari (Milán, 24 de octubre de 1907 - 30 de septiembre de 1998)
Considerado uno de los más grandes protagonistas del arte y el diseño del siglo XX, ha aportado contribuciones fundamentales en diversos campos de la expresión visual y a la escritura, poesía, didáctica con una investigación polifacética sobre temas como el movimiento, la luz y el desarrollo de la creatividad o la fantasía en la infancia mediante el juego.
Bruno Munari nace en Milán en 1907, pero su infancia y adolescencia transcurrieron en Badia Polesine donde llega con seis años de edad. En 1923, escribe con el artista Aligi Sassu un manifiesto, Dinamismo e pittura muscolare (dinamismo y pintura muscular), que se basa en los principios futuristas del arte como movimiento, celebración de las máquinas y progreso tecnológico. En 1925 regresa a Milán y en 1927 comenzó a relacionarse con Marinetti y el movimiento futurista. Tres años más tarde se asoció con Riccardo Ricas Castagnedi, con quien trabajó como diseñador gráfico hasta 1938.
Los años 30 son los primeros años de investigación de arte en movimiento de Munari durante los cuales realizó la estructura que se considera el primer “móvil” de la historia del arte, la Macchina Aerea, expuestas por primera vez en 1933: mecanismos presentados como modelos experimentales que investigan las posibilidades de la percepción, lo que lo convierte también en un precursor del arte óptico, llevándole más tarde a la Macchine Inutili. Después de la guerra, Munari abandonó lentamente el futurismo para unirse un movimiento que estaba repensando por completo el arte no figurativo,
y en 1948 fundó el grupo MAC ( Movimiento de Arte Concreta) junto a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galiano Mazzon y Atanasio Soldati.
Sin duda los años 50 son los que marcan a Munari como el “artista totale” que ahora conocemos. Sus investigaciones visuales le llevan a la experimentación fotográfica con negativos-positivos. La experimentación cinética evoluciona hasta presentar las Macchine Aritmiche en las que el movimiento repetitivo de la máquina, en este caso, se interrumpe por casualidad mediante intervenciones humorísticas. Cabe destacar especialmente la creación de los Libri illeggibili en los que el relato deja de tener valor literario-informativo para ser puramente visual. En 1955 crea el Museo immaginario delle isole Eolie a partir de una investigación que recupera objetos modificados por el mar. Finalmente presenta las famosas scultura da viaggio que constituyen una revisión revolucionaria del concepto de escultura en un mundo ya en proceso de globalización.
Los viajes que realiza con frecuencia a Japón en los años 60 dejarán una afinidad palpable entre el artista y el país nipón debido a su interés por el espíritu zen, la asimetría, el diseño y el empaque de las tradiciones japonesas. Durante esta década, se dedica a la realización de obras seriales, a la experimentación cinematográfica que más tarde desembocará en la cineteca di monteolimpono (Centro internazionale del film di ricercar) y a la experimentación fotográfica con el uso de impresoras.
No hay que olvidar la faceta educativa de Munari, en 1977 crea el primer laboratorio para niños en un museo (la Pinacoteca di brera de Milán) conviertiéndose de alguna manera en el precursor de la didáctica museística en cuanto a la formación y acercamiento al público infantil.
Entre los 80 y los 90 la creatividad de Munari sigue latente y se desarrolla mediante la creación de diversos ciclos de óperas. El creador realizó su última obra pocos meses antes de fallecer a los 91 años en 1998 en su ciudad natal.
La obra de Munari no esta depositada en un Museo o una Fundación específica dedicada a su conservación y estudio pero, si existe una colección privada dedicada unicamente al artista italiano.
Ha participado en diversas exposiciones en: Museum of Modern art of Hayama (Japón), Andrew Kreps Gallery (New York), Kaufmann Repetto (Milano), Estorick collection of Modern Italian art (London), Museum für Gestaltung (Zurich), Museo de Arte Moderno Fundación Soto (Bolivia), Kunstgewerbeschule (Basel), Howard Wise Gallery (new York), Museum of Moder Art Tokyo y MoMa (new York).


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JUAN CARLOS NADAL
Juan Carlos Nadal (Alicante, 1966) es uno de los artistas más interesantes y coherentes en el contexto de la investigación y experimentación sobre conceptos como el tiempo, el movimiento o la pintura como acción y proceso. Conceptos que se proyectan tanto en sus procesos pictóricos como espaciales a través de la escultura. Para Nadal el arte provoca sensaciones y estas a su vez pensamientos. Como Deleuze en alianza con Proust, decía que “el pensamiento no es nada sin algo que le fuerce a pensar, que haga violencia al pensamiento”. Deleuze considera fundamentales encuentros que ponen en juego otra experiencia de ejercicio de las facultades del sentir, del memorar, del imaginar, del pensar. En este sentido se dirige el trabajo de Juan Carlos Nadal, en provocar ese tipo de encuentros con las obras. En relación a la filosofía deleuzeana en resonancia con la obra de arte en confluencia con Nadal, ésta es entendida como un principio de proliferación intensiva de lecturas que termina diluyendo centros y convergencias en pro de una coexistencia intensiva zigzagueante. Allí donde objeto y pintura pueden fusionarse como restos de un conflicto, en ese espacio que es puro desamparo ha creado Nadal una obra que es sencillamente ejemplar: un testimonio pictórico que se adentra en el abismo tremendo de nuestra época, refiere Fernando Castro Flórez en ”Homeless Dépeindre” 2002, sobre la obra del artista.
Nadal es Licenciado por la facultad de Bellas Artes de San Carlos UPV y recibe la Beca Circuit d’Art Contemporani. Becats Art Visual y la Beca Fundación ARTE Y DERECHO. VEGAP de Madrid en 2011. Vive y trabaja en Valencia desde que comenzó sus estudios hasta hoy.
Ha expuesto en instituciones públicas y galerías de arte entre las que destacamos Galería Canem, Castellón en 1993; Edgar Neville (1994); Valle Ortí, Valencia (2003 y 2004; Maliarka, Alicante (2005); PazYcomedias, Valencia (2009); 3PUNTS, Barcelona (2014); Espai Salmaia, Altea (2016; Galería Karin Wimmer, Múnich (2017); Galería Aural, Alicante (2013 y 2018).
Entre sus individuales con instituciones públicas Espai La Llotgeta CAM, Valencia (1993); Espai d’Art Lambert, Jávea, Alicante (1997); MUA (Museo de la Universidad de Alicante) en 2002; Sala exposiciones del Ayuntamiento de Valencia (2012); Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante (2015).
Participa de colectivas en galerías como Espai Visor (Valencia), Edgar Neville (Jávea); PazYcomedias (Valencia); Galeria Ana Peris (Alicante); 3Punts (Barcelona). Acude a ferias como ARCO, ArteLisboa, ArteSantander, CIGE ’07, Beijing, China; 3ª Trienal de arte gráfico 2002; BERLINER LISTE, Berlín. En instituciones públicas como Sala Arniches de Consellería de Cultura d Alicante; Sala Lonja del Pescado, Ayuntamiento de Alicante; Museu d’Art Contemporani d’Elx), Elche: MUA (Museo de a Universidad de Alicante); Palacio Revillagigedo (Cajastur), Gijón; Museo de Arte Moderno de Santo Domingo; Instituto Cervantes de Múnich, Alemania.
Ha realizado varias obras públicas como “Ona” en el Túnel de las escaleras del IES Jorge Juan de Alicante en 2015.
Su obra está representada en museos e instituciones públicas y privadas como el IVAM, Valencia; MUA, Alicante; Diputación de Alicante; Ayuntamiento de Alicante; Ayuntamiento de Valencia; Colección CAM, Alicante, Instituto Cervantes de Múnich, así como en colecciones particulares.
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JESÚS RIVERA Alicante, 1981.
Jesús Rivera Quirante, licenciado en B.B.A.A. por la Facultad de San Carlos (U.P.V.), ha participado en muestras internacionales en el extranjero como Yellow Pages Project en el MAMCO, Geneva, Suiza (Team 404 & John Armleder), en la Turm Gallery, Helmstedt (Alemania) o en el Kunsthalle Palazzo, Liestal/Basel de Suiza así como también en la Rundgang 2003 de la Hochschule für Bildende Kunst Braunschweig (Alemania). Durante el 2006-2007 fue premiado con la beca de investigación y creación plástica en el extranjero (Berlín) de la Generalitat Valenciana y participó en los seminarios del Art in Context Institute (Universität der Kunste Berlín). En el 2008-2009 fue premiado con la Beca Colección CAM de Artes Plásticas. En España ha participado en ferias de arte como VALENCIA.ART 07 y 09 con la Galería Aural destacando su presencia en muestras colectivas organizadas por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana como la exposición internacional No hay tal lugar. Territorios de lo invisible (Museo Castillo Santa Bárbara, Alicante, 2009), Puntas de Flecha. Nuevas trayectorias del Arte Contemporáneo (Museo de las Reales Atarazanas, Valencia, 2009) o Cartografías de la Creatividad (Museo Centro del Carmen, Valencia, 2010).

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MASSIMO PISANI
Massimo Pisani (1958 en Mantova, Lombardia, Italia)



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FERNANDO SINAGA
Fernando Sinaga (Zaragoza, 1951) vive y trabaja en Salamanca. Su formación artística
transcurre en la ciudad de Zaragoza hasta el comienzo de sus estudios de Bellas Artes en
Barcelona, donde obtiene la Beca Amigó Cuyás en 1972 y la Beca Castellblanch en 1973. En
1976 finaliza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid y recibe el Premio
de la Dirección General de Bellas Artes. En 1983, y debido a su interés por los estudios
goetheanos, obtiene una beca de la Fonds für freie Erziehung, de Zürich, para proseguir sus
estudios sobre la teoría del color. En 1984 recibe una nueva beca de Investigación para
estudiar la Escultura Pública en EE.UU y a su vuelta de Estados Unidos obtiene una plaza de
profesor en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, fijando su residencia en esta ciudad
hasta el momento presente.
La exposición de Sinaga El Desayuno Alemán (1986), celebrada en la Galería Villalar de
Madrid reveló la obra de este artista dentro de la escena española de los 80 y desde
entonces su trabajo se ha expuesto en diferentes galerías y museos de España, Francia,
Bélgica, Alemania y EE.UU.
Su trayectoria artística ha recibido el reconocimiento público de la Fundación Valparaíso de
Almería, del Premio Villa de Madrid a la mejor exposición de escultura celebrada en esta
ciudad en el año 2001 y del Premio Aragón Goya 2010, otorgado por el Gobierno de Aragón a
su trayectoria artística destacada. Así pues, su obra está representada en colecciones tanto
privadas como públicas.
Junto con su carrera docente en la Universidad de Salamanca, Fernando Sinaga es, a la vez,
uno de los mejores escultores con una sólida experiencia en el campo de la creación europea
en las últimas décadas. Si bien ha estado presente en la escena artística desde finales de la
década de 1970, su trabajo se hizo más importante a partir de la segunda mitad de la década
de 1980. La década de los noventa representa otro giro, ordenando sus creaciones en un arte
que puede considerarse heredero de las heterodoxias post-minimalistas europeas. Sinaga, a
través de su trabajo, muestra una fuerte voluntad experimental unida a una transversal y
diversificada tratando de organizar conexiones y enlaces de diferentes orígenes.
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JAVIER VALLHONRAT
Javier Vallhonrat (Madrid, 1953) desde sus inicios ha trabajo en el campo de la fotografía manteniendo una gran coherencia y conocimiento de los códigos y del lenguaje fotográfico. Sus fotografías pueden no ser amables pero poseen una belleza formal a caballo entre el esteticismo y el compromiso; no en vano se sirve de métodos procedentes del minimalismo y del arte conceptual para formular una reflexión sobre los límites del lenguaje y la percepción fotográfica: la fotografía como lenguaje se coloca en un límite escurridizo e impreciso. Vallhonrat reivindica para la fotografía una memoria visual y plástica propia pero común a la pintura en lo que se refiere a forma y textura. De este modo pretende relativizar el lenguaje y obligar a mirar una foto de la misma manera, pausada y cuidadosa. Se observa en la obra de Javier Vallhonrat un profundo análisis de la fotografía como objeto de reflexión artístico

La obra de este artista se encuentra en colecciones como la del Museo Reina Sofía de Madrid, , Colección Banesto de Madrid, Colección Fondo de Cultura de Vigo, Fondos de Arte Contemporáneo Universidad Politécnica de Valencia, Fundación Tous-de-Pedro de Barcelona, Museo de Badajoz, Museo de Bellas Artes de Álava, Museo Palacio de Sátago de Zaragoza, Colección Banco de España de Madrid, Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid, Colección Pilar Citoler, Colección Fondos Museo Universidad Navarra, Collection Paris Audio-Visuel, Paris. FRAC Rhône-Alpes, Lyon, (Francia); Maison Européene de la Photo, Paris; Musée Cantini, Marseille, (Francia); Musée Réattu, Arles, (Francia); el Gran Duc Jean de Luxemburgo, International Polaroid Collection, Boston, (USA); Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, (USA); The Beulh Collection, (USA); The Marsh Collection, Londres; Claudia & Michael Loulakis Collection, Frankfurt (Alemania).

Se han publicado 16 monografías de su obra, habiendo sido reconocido su trabajo con numerosos galardones, entre los que cabe destacar el Premio Nacional de Fotografía, el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid, el Premio de Fotografía del Ayuntamiento de Madrid y el Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña. Ha sido galardonado con el Silver Award of New York Times Magazine, 1994; Award of Excellence. The Society of Newspaper Design, 1995; Premio Nacional de Fotografía, Ministerio de Cultura, 1995; The Art Directors Club 76th Annual Awards, New York, 1997; Premio PhotoEspaña, 2007; Premio Villa de Madrid de Fotografía, 2009; Premio Comunidad de Madrid de Fotografía, 2009; Premio “Trayectoria” Fundación ENAIRE, PhotoEspaña, Jardín Botánico, 2019.
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LUIS GORDILLO
Luis Gordillo (Sevilla, 1934) Vive y trabaja en Madrid.
Tras pasar por la Facultad de Derecho, comienza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Durante el desarrollo de su carrera, ha sabido asimilar de un modo personal los nuevos lenguajes creativos de las últimas cinco décadas.
Cuenta con numerosas exposicionesindividuales como LUIS GORDILLO Confesión xeral. CAAC Sevilla y CGAC Santiago de Compostela en 2017; Cabezas. Luis Gordillo en el Alcázar, Sevilla en 2014-15; Implantación de sueños, Luis Adelantado, Mexico; Luis Gordillo. XXL / XXI, Artium, Vitoria en 2014; Luis Gordillo, Galeria Aural Alicante en 2013; Tocata y fuga, Marlborough Gallery, Madrid; Contraespejo-s, Galería Rafael Ortiz, Sevilla ; Horizontalia, CAC Centro de Arte Contemporáneo, Málaga; Galeria Fernando Santos, Porto; Oxigenando, Galería Luis Adelantado, México D.F.; Luis Gordillo Centro Municipal de Arte y Cultura, Guatemala; Pintura Interrogada, Centro de Arte Contemporânea de Bragança, Itinerancia Palácio da Galeria - Museu Municipal de Tavira, Centro Cultural de Cascais (Fundação D. Luis I) en 2012; Contrastes, Galeria Malborough, Madrid y Policéntrico, centrífugo, vulnerable Luís Adelantado, Valencia en 2010; Imágenes una voz. Luís Gordillo. Obra gráfica 1972-2008, MGEC Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella en 2009; Luis Gordillo - Iceberg total, Kunstmuseum, Bonn, Alemania en 2018; Pluri Galeria Maior, Palma de Mallorca, ICEBERG TROPICAL, Luís Gordillo. Antológica 1959-2007, MNCARS, Madrid en 2007; Luis Gordillo - Retrospectiva, Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, México, Galerie Michael Hasenclever, Munich, Alemania, Un bosque de semáforos en ámbar Galería Aural, Alicante; Instituto Cervantes, París, Francia; Galería Marlborough, Madrid en 2006; Gordillo Duplex, Museu d´Art Espanyol Contemporani, Fundación Juan March, Palma de Mallorca; Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca; Galería Siboney, Santander; Retrovisor, Procesos fotograficos de los 70’s, Circulo de Bellas Artes de Madrid Galerie Rolf Hengesbach, Colonia, Alemania en 2004; ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Duplex Vertical, Galería Antonio Machón, Madrid; Digital, Estiarte, Madrid; Galería Fernando Latorre, Zaragoza; Dahl Gallery of contemporary art, Lucerna, Suiza en 2003.

Entre sus colectivas destacan DISLOCATION 2017, Hengesbach Gallery, Wuppertal; 2015 Maestros españoles de la segunda mitad del siglo XX, Colección Mariano Yera, Centro del Carme, Valencia; De Zurbarán a Picasso. Artistas andaluces en la colección Abelló, Espacio Santa Clara, Sevilla; 2014 Uno de cada, Centro de Arte Contemporáneo Domus Artium 2, Salamanca; Entre el Cielo y la Tierra. Doce miradas al Greco cuatrocientos años después, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; Mitos del Pop / Pop Art Myths, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; 2013 On Painting, CAAM. Las Palmas de Gran Canarias; Air_port_art, Colección AENA de Arte Contemporáneo Fundacion Luis Seoane, A Coruña; Hola Spain, Seongnam Arts Center, Seoul; 2012 De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982), MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; 2011 La imagen del sonido, MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona; Libertad, Igualdad, Fraternidad, Centro de Arte Contemporáneo, Huarte, Navarra; Los Esquizos de Madrid, Fundació Suñol, Barcelona; 2009 Paisajes Cruzados, Miradas a la colección de Es Baluard, Es Baluard, Museu d’art modern i contemporani, Palma de Mallorca; Los Esquizos de Madrid. Figuración madrileña de los 70, MNCARS, Madrid; Antes de ayer y pasado mañana; o lo que puede ser pintura hoy, MACUF Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña; Óptica pictórica. Colección de arte contemporáneo Fundación La Caixa, Palacio Almudí de Murcia; 2008 Spagna 1957-2007. L’arte spagnola da Picasso, Miró, e Tapies ai nostri giorni, Palazzo Sant’Elia, Palermo, Italia; “…einen AUGEN-Blick, bitte!” “